Manuel Ortiz de Zárate

Manuel Ortiz de Zárate Pinto (octubre 9, 1887 hasta octubre 28, 1946) fue un pintor chileno.

Born Manuel Revuelta Ortiz de Zárate Pinto en Como, Italia, fue el hijo de chileno compositor Eleodoro Ortiz de Zárate y de María Cristina Pinto Errázuriz. Él tenía cuatro años cuando la familia se trasladó a Chile, donde fue a estudiar pintura con Pedro Lira (1845-1912) antes de entrar en la Escuela de Bellas Artes (Academia de Bellas Artes) en Santiago.

Atraído por la escena del arte emergente en Francia, en 1904 se embarcó a Marsella y luego se dirigió a París. Allí, se convirtió en parte de la creciente reunión de artistas en el barrio de Montparnasse, hacer amigos con Amedeo Modigliani y algunos de los otros grandes del futuro del mundo del arte.

Manuel Ortiz de Zárate estudió en la École des Beaux-Arts en París, desarrollando sus habilidades modernistas en la pintura de naturalezas muertas y paisajes. En la foto, es la representación de la Catedral de Notre Dame

Junto a Camilo Mori y otros artistas de Chile, Manuel Ortiz de Zárate ayudó a fundar el Grupo Montparnasse. Durante la Segunda Guerra Mundial, permaneció en Francia a pesar de la ocupación alemana. Después de la guerra, se fue a los Estados Unidos, donde murió en 1946 en Los Angeles, California. El primer marido de su hija era el pintor abstracto California, John Ferren (1905-1970), su segundo marido fue el diseñador de producción de origen ruso Eugène Lourié (1902-1991).

"Armando Reverón (1889-1954)"

Victoriano de los Ríos
Sin Título (Reverón con levita y pumpá)-secuencia-, hacia 1954
CINAP

por María Luisa Ochoa

La muestra "Armando Reverón (1889-1954)" sostenida desde Abril de 2007 en las salas 1 y 2 de la Galería de Arte Nacional ofrece un acercamiento al repertorio plástico del artista venezolano Armando Reverón.

Se trata de una exposición que agrupa los diversos medios expresivos utilizados por el artista, como la pintura y los objetos así como una interesante presentación sobre la estructura del Castillete –residencia del artista, construida por él mismo- acompañados de fotos tomadas por Victoriano de los Ríos, Graciano Gasparini, Ricardo Razetti y Alfredo Boulton.

Dentro de las obras exhibidas podremos ver las muñecas, objetos, diversos autorretratos, paisajes de macuto y retratos. La mayor parte de las obras exhibidas pertenecen a la última década de vida del artista.

La exposición ha sido basada en la muestra llevada a cabo a principios de 2007 en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York –uno de los más prestigiosos del mundo-. Con ello la obra de Reverón quedó justamente reconocida como lo que es: una interesante y vanguardista visión sobre la expresión plástica.

Armando Reverón
Uveros, 1942
Óleo sobre tela
53 x 64 cm
Colección Fundación Museos Nacionales

Uno de los aspectos subrayados por la curaduría es la obsesión de Reverón con la luz. Esa luz de las costas venezolanas, de los mediodías que encandilan todo haciéndolo desaparecer. Esa luz también que es simple –que no sencillo- artilugio de la plástica y que como una lucha de la visión con la razón, va construyendo los objetos en un presente que los deshace de apariencia, que los depura revelándolos en luz. Este aspecto es quizá el guiño de ojo que el artista nos hace: el ejercicio de la pintura revela y esa revelación es también producto de una lucha entre lo que vemos de la imagen y lo que sabemos de ella.

Con esa visión curatorial la exposición ha dado un trato justo a la estética de Reverón pues es precisamente a través del oficio de pintar “lo que no se ve” que comienza ese viaje que hacemos al acercarnos a sus muñecas, sus objetos y sus pinturas.

Otro aspecto interesante, aunque no inédito en exposiciones anteriores sobre Reverón, es el de haber reunido algunos de los autorretratos. Se trata de una serie de pinturas y dibujos realizados por el artista entre 1948 y 1949 en los que Reverón se pinta a sí mismo con un “sombrero de copa” –llamado en la Caracas de antaño “pumpá”- en diversas poses y utilizando un repertorio expresivo bastante interesante pues parece explorar la pintura desde el dibujo, un poco quizá a la manera impresionista.

Armando Reverón
Muñeca, hacia 1940
Tela, pintura, fibras vegetales (pabilo y algodón), alambre, semillas y papel
161 x 72 x 24,5 cm
Colección Fundación Museos Nacionales

Una última mirada permite al espectador recorrer la obra reveroniana a través de sus objetos. Fabricados con los más variopintos materiales –madera, cabuyas, taparas, papel periódico, tinturas y fibras naturales, ramas, algodón, etc.- los objetos aparecen como esperpentos en los que poco a poco va surgiendo vida. Y no exageramos. Los ojos maltrechos de alguna muñeca comienzan a mirarnos, juzgonamente, mientras vemos sus rasgaduras. Un esqueleto ínfimo se hace escultura mientras un teléfono de cartón y otras fantasías van teniendo sentido sin que nadie lo ponga en duda.

Durante los últimos años la obra del artista ha sido revisitada por curadores, historiadores y público en aras del particular modo de plantear el mundo objetual como hecho plástico, elemento presente en la producción reveroniana. Ese mundo objetual aparece, sí, como tramoya y escenografía, pero también como documento vivo de la pintura como fin último de una construcción pragmática y oficiosa. Este carácter atribuible no solo a la pintura sino, quizás mucho más a los objetos, inserta a la obra de Reverón en un particular puesto en la vanguardia latinoamericana. Aún tratándose de una obra cuyas influencias en sus contemporáneos y en quienes lo siguieron en nuestra historia plástica son pocas, en el sentido de que no se creó una tendencia a partir de sus planteamientos, el legado del artista sigue manteniéndose como uno de los más preciados en nuestro país.

La plástica reveroniana derrama una insistencia en la expresión a tal punto que los límites de la abstracción informal, la figuración y el impresionismo son recorridos finamente como si su aparición fuera más cosa de formas que de historia. Esta fineza hace, entre muchas otras cosas, que las obras de Reverón adquieran ese sentido de recuerdo por construirse y de construcción hecha instante presente.

Juvenal Ravelo

"Módulo Cromático", de Juvenal Ravelo, durante su confección.
Avenida Libertador, Caracas.
Fuente: www.pinturasflamuko.com

El destacado artista plástico venezolano Juvenal Ravelo se ha hecho acreedor del PREMIO NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS 2008, otorgado por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura el pasado mes de Agosto. La Casa del Ãrte en Venezuela desea hacer un merecido reconocimiento a tan importante figura del quehacer artístico venezolano.

Juvenal Ravelo pertenece a la corriente del arte cinético. Nació en Caripito, estado Monagas, el 23 de enero de 1934. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas y en la Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar de Barquisimeto, estado Lara. Ingresó a la docencia como profesor de la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas y en 1964 se traslada a París para sumarse al movimiento de arte abstracto - constructivo y cinético. Ya en Francia asiste entre 1964 y 1968 a los cursos sobre sociología del arte dictados por los afamados críticos e historiadores Pierre Francastel y Jean Cassou en La Sorbona.

Luego de un largo y exitoso período en Europa regresa a Venezuela para desarrollar una propuesta de integración de la comunidad a la actividad artística urbana. En el Arte de participación en la calle el artista motiva un cambio en el ser humano a través de la cooperación colectiva en la construcción de los murales cinéticos en las fachadas de las casas de poblaciones rurales en el interior del país.

Es notable el modo en que las reflexiones estéticas de un artista como Juvenal Ravelo buscan caminos de cristalización en la praxis diaria mediante una propuesta tan ambiciosa como la de "Arte de Participación en la Calle", tal como la denomina el propio artista. Ravelo abandona su taller de la Rue Dauphine (París) y se dispone a abordar esta experiencia creativa concebida para espacios públicos, precisamente en el barrio Los Cerritos de Caripito, su pueblo natal. Así nacen los "Módulos Cromáticos", ensamblándose en una suerte de "museo al aire libre". La participación directa de la gente en el proceso creativo, acompañada de sus vivencias del día a día, cargada de su entorno, de su hogar, de lo que son profundamente: vaya si ésta es una idea valiosa. El arte plástico sale de sus recintos habituales y se emplea como herramienta destinada a generar cambios tangibles en el entorno social que lo consume y disfruta. El desarrollo de la sensibilidad estética en el individuo es clave en esta idea. Es la manera de obtener elementos inmanentes al sujeto que son indispensables para una calidad de vida óptima: no se puede ver la luz con ojos preñados de sombras. Es así como el arte se embarca en asuntos realmente importantes, divorciado de pretensiones pomposas y sin abandonar la máxima calidad en el ámbito estrictamente artístico.

Para cerrar este comentario en torno a Juvenal Ravelo, hemos elegido algunas opiniones emitidas por notables de las artes. Estamos seguros que son bastante claras y ajustadas al valor de este creador venezolano:

“El mural de Ravelo en la Avenida Libertador de Caracas, es una de las obras extraordinarias del arte cinético actual. Es la propuesta estética de una simetría cromática resuelta en grandes espacios y la puesta en evidencia de las vibraciones ópticas creadas con ingenio y sabiduría, por uno de los artistas importantes del arte universal”. Jesús Soto. Artista Cinético. Caracas, 2003

“Juvenal Ravelo, excelente artista de la abstracción, viene de un barrio marginal de un apartado pueblo del oriente de Venezuela. Un día dejó su taller de París para ir a ver a sus viejos vecinos del barrio y los invitó a la más inesperada y extraordinaria fiesta. Llegó cargado de latas de pintura y los convidó a pintar, entre todos, por un patrón diseñado por él, las fachadas de las modestas viviendas. Fue una fiesta incomparable y un descubrimiento. En un día de inusitado hallazgo cambiaron el pueblo y el marco de sus vidas. La vieja calle se convirtió en un arlequín de alegría. Y cuando Ravelo se marchó se dieron cuenta de que les había regalado una fiesta sin término, un pueblo nuevo y acaso una nueva vida”. Arturo Uslar Pietri. Escritor. Del Libro “Fachas, Fechas y Fichas” Caracas, 1980

“Juvenal Ravelo pertenece a una generación de artistas venezolanos que piensan en la investigación como fuente revolucionaria del arte. Solo el análisis profundo de la significación de esta vital actividad del hombre, puede abrir caminos en el arte moderno y Juvenal Ravelo está consciente de ello. Desde hace algunos años, sus investigaciones cinéticas parten de la idea de la fragmentación de la luz como fenómeno de visualización, que puede revelar en el espectador otras posibilidades de percepción. Sobre una estructura programada, destellos luminosos crean una situación cromática que continuamente se escapa. Una especie de “flash” de color efímero. Un reflejo fragmentado del medio ambiente. Por el desarrollo de su obra, pausado y de clara disciplina, Ravelo es un valor y punto de referencia en la plástica venezolana contemporánea”. Carlos Cruz - Diez. Artista Cinético. París 1974

“Querido Juvenal: Después de ver el cortometraje realizado por Luís Altamirano “Ravelo y el arte de participación en la calle”, siento que esta vez el arte me ha tocado profundamente y hoy estoy viendo un enfoque distinto, un arte que reivindica a los vecinos olvidados en los rincones alejados de los grandes centros de cultura del mundo. Les devuelve la felicidad, es otro arte”. Julio Cortázar. Escritor. París, 1979

Francis Reyes

Oui, mais...
Acrílico sobre tela, collage, técnica mixta

La artista plástico Francis Reyes nace en Caracas (Venezuela) en el año 1980. Desde los primeros años de su infancia se muestra interesada por la pintura y la literatura, y es cuando comienza sus primeros acercamientos a dichas manifestaciones artísticas en el taller de arte del Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber.

Posteriormente, realiza sus estudios de Historia del Arte en la Universidad Central de Venezuela y, simultáneamente participa en numerosas exposiciones colectivas en su país natal.

En el año 2006, realiza su primera exposición individual en la Galería Oscar Ascanio (Caracas-Venezuela) titulada: “Lady Aphrodite”, en la cual la artista imagina sus historias-collage centradas en el tema de Aphrodite. Sus obras expresan desde el punto de vista femenino el tema amoroso y sus variables, el erotismo y la pasión en diversas maneras plástico – formales, valiéndose de objetos y situaciones cotidianas para recrear su realidad pictórica.

Este será el tema central en la obra de Francis Reyes: la feminidad y sus diferentes manifestaciones, la mujer como centro de reflexión afectiva, el universo de lo femenino en contraposición a lo masculino.

Gamel_otro
Acrílico sobre tela, collage, técnica mixta

Souvenir Bleu
Acrílico sobre tela, collage, técnica mixta

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Acrílico sobre tela, collage, técnica mixta

Entre sus exposiciones destacan: “Aphrodite made moi seule” (2007) y “Aphrodite-moi” (2008); éstas últimas realizadas en París donde vive y trabaja actualmente.

Esso Álvarez

Álvarez: diversidad de medios de expresión

Esso Álvarez nació en Maracaibo, estado Zulia, en 1960. Talentoso y reconocido, este artista plástico experimenta en el campo de las artes visuales con diversos medios de expresión visual, toma parte en el área gráfica del periodismo y se desempeña como pedagogo, todo ello con los mismos niveles de calidad. A pesar de ser identificado principalmente como fotógrafo, Álvarez ha ofrecido propuestas diversas a lo largo de su carrera, concebidas a partir de diversos elementos, medios y herramientas plásticas para expresarse con libertad fuera de la llamada fotografía documental directa.

Collages sugerentes de Esso Álvarez

Salirse de las clasificaciones no es fácil, pero Álvarez lo ha asumido. Dan fe de lo anterior las obras presentadas en diversas confrontaciones artísticas: con Des-foco, 21 fotocopias de imágenes periodísticas adheridas a tela, presentada en el Salón Pirelli (1995), obtuvo el segundo premio; como invitado a la VI Bienal de La Habana exhibió quince inyecciones de tinta sobre tela de 96 x 240 centímetros cada una, donde sintetizaba su exploración urbana de las plantas, los monumentos y los animales, denominada Mímesis y exhibida individualmente en la Galería Euroamericana (1997); en el 2002 realizó la obra apócrifa Mis postales como ánimas solas, expuestas en el Museo de Bellas Artes de Caracas; y obtuvo el Premio de la Universidad de Carabobo en el XXX Salón Aragua (2006) con la serie Cárcel de Abu Ghraib, con nueve imágenes apropiadas de Internet del maltrato dado a los iraquíes presos por los soldados estadounidenses.

Fuera de la llamada "fotografía documental directa"

En Abril-Mayo de 2008, el artista presentó la exposición denominada SENTI_MIENTO (sonidos visuales) constituida por catorce (14) imágenes de 55 x 75 centímetros, logradas por un desperfecto de la cámara digital en el año 2006, junto a un video que fue presentado durante la inauguración y en la clausura de la exhibición. Para Zacarías García, docente y artista plástico, el trabajo exhibido por Álvarez en dicha ocasión "trata de un registro del mundo en el que la tecnología en sus comportamientos más aleatorios nos ofrece visiones de la realidad como caprichos. Instantáneas accidentadas por la mediación del ruido, o más bien, del sonido sofisticado de las estrías electrónicas. Estas digitografías pueden ser el sueño cumplido de alguna vanguardia del siglo pasado".

Poster promocional de "Sentimiento (sonidos visuales)"

Álvarez trabaja y colabora desde 1983 en diversos medios impresos. Su obra ha sido expuesta y reconocida nacional e internacionalmente. Actualmente es docente invitado en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón.

Leonardo Del Moral

Armando Reverón

Leonardo del Moral es un artista plástico emergente nacido en Caracas, quien tiene en su haber una importante participación desde el 2004 en diversas exposiciones a nivel nacional. Su propuesta está conformada básicamente por figuras hechas con plastilina endurecida, pasta para modelar, alambres, madera y cartón. Las representaciones son de los más diversos personajes, incluyendo artífices plásticos renombrados como Armando Reverón, Carlos Cruz-Diez, Jesús Soto, Pablo Picasso, Fernando Botero y Joan Miró, entre otros.

Toda su obra contiene un matiz caricaturesco muy particular que del Moral imprime a sus personajes y es lo que distingue su trabajo desde los inicios en 1989. El trabajo se asemeja a una fotografía en la que cada detalle cuenta para formar parte de un todo y en la que cada figura trasciende, sobresaliendo por la creatividad y la estética.

Jesús Soto

La obra de Del Moral devela, como en una gran puesta en escena, la impresión de estar en medio de una gran conversación, un diálogo improvisado lleno de murmullos, inquietudes, silencios cómplices resultados del encuentro fortuito y en el que cada uno de los personajes, haciendo gala de sus particularidades, comparte sus propias experiencias. Esa interrelación dinamizadora entre todos, que remite a lo cotidiano, al compartir, mirar o decir, es una de las posibles formas de acercamiento a esta propuesta creativa.

Francisco Maduro Inciarte

Nació en Caracas en Marzo de 1947, desde niño se mostró interesado en papeles, colores y texturas. Su madre, tíos y abuelos practicaban de forma autodidacta varias formas artísticas, aprendiendo un poco de cada uno. Vivió muchas experiencias de aprendizaje, recibiendo la crítica más acertada, lo que lo hace hoy en día buscar constantemente la excelencia en sus trabajos.

Aunado a todo esa experiencia familiar, estudió artes gráficas en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas por algo más de dos años, aunque no pudo concluir los estudios, tomó cursos libres de pintura en la misma escuela, realizó el Taller de Dibujo Integral en el Instituto “Federico Brand” y el taller de técnicas aplicadas al dibujo en el Taller permanente A. Herrera Toro, entre otros.

Francisco Maduro se define como artista figurativo, académico con tendencias hacia el realismo mágico con alguna inclinación al hiperrealismo y en ocasiones dentro de algunas líneas expresionistas, sin embargo se considera más dibujante que pintor.

Luisa Cáceres
Óleo sobre tela

Exposiciones Individuales y Colectivas

Desde el año 1990 ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas.

Exposiciones Individuales

1993 - “Regresos” Complejo Cultural de Los Teques

1994 – “Mujeres” Galería de Bellas Artes, Caracas

1995 – “La Memoria en el Rostro” Galería Manuel Silvestre Pérez

1999 – “Original y Copias” Galería Leragl

2000 – “Rostros de la Historia” Ateneo de los Teques

2008 - Retratos Históricos, Metro de Caracas

Exposiciones Colectivas

1990 - Alcaldía de Caracas

1991 - Loros y Guacamayas Teatro de la Opera, Maracay

1992 - Dibujos Macsi – culminación de Taller

1992 - “Trazos” Taller permanente A. Herrera Toro

1993 - Galería Sólido

1993 - IV Salón municipio Los Salías

1993 - VIII Encuentro de Pintores Zuata, Estado Aragua

1993 - II Salón de Pintura “Cristóbal Rojas”, Estado Miranda

1993 - XVII Salón de Pintura Edelca, Caracas

1994 - Selección Artistas de Miranda, Ateneo de Los Teques

1994 - VII Bienal de Dibujo, Caracas

1995 - XV Salón de Pintura del Ateneo, Carúpano

1995 - II Muestra de la Parroquia del Norte

1995 - Evento “Viva Venezuela”, Hotel Eurobuilding

1995 - Transfiguraciones Visuales, Estado Carabobo

1996 - Homenaje a Arturo Michelena, Ateneo de los Teques

1996 - Salón Juan Lovera

1997 - XXIX Salón del Colegio de Ingenieros, Caracas

1998 - VIII Salón de Artes Plásticas Alejandro Otero

1999 - I Bienal “Día del Artista Plástico de los Altos Mirandinos”

1999 - Miranda en Dos Tiempos, Galería “Cemic”

2005 - La Mega

2007 - Miranda Hoy

2007 - Personajes y momentos Históricos

2007 - Los Rostros de la Historia, Ateneo de Los Teques

2008 - Salón del Rostro, Ateneo del Hatillo

Otras Actividades

Se ha dedicado a realizar labor docente, dictando talleres de dibujo en el Centro de Integración de Artes Visuales “Raúl de la Roche”, en la escuela de Artes Visuales “Manuel Silvestre Pérez”, talleres de dibujo y pintura en el Ateneo de los Teques. Realizó a su vez los murales “Letras y Tiempos” en la fachada del Liceo Andrés Bello, en la Av. México, Caracas y el mural “Raíces” en la Av. Los laureles – Plaza Tiuna, Caracas. Ilustró muchos libros. Es miembro fundador de la Asociación Civil “Arte Libre”.

Mural "Letras y Tiempos"
fachada del Liceo "Andrés Bello"

Mural "Letras y Tiempos"
fachada del Liceo "Andrés Bello"

Retratos de Bolívar

Una de las series más importantes de las obras realizadas por Francisco Maduro está en el recuento de retratos de la vida del Libertador desde adolescente hasta su muerte. Actividad que comenzó luego que una maestra amiga le pidió que realizara un retrato de Simón Bolívar, lo cual hizo gustosamente. A la semana se presentó en el taller de dibujo otra maestra con la intención de comprarle otro retrato del Libertador, pero con la condición de que no fuese igual al que recién había hecho, razón por la que se acercó a la biblioteca de la Sociedad Bolivariana y encontró un libro de Alfredo Boulton escrito entre los años cuarenta y cincuenta con un estudio interesantísimo, minucioso y analítico de toda la iconografía de Simón Bolívar, el cual según palabras de Maduro disfrutó y lo llevó a hacer esa secuencia de imágenes realizadas en diferentes técnicas y acompañadas de un trabajo investigativo bien documentado por historiadores, diplomáticos, escritores, compañeros de armas y personajes que lo conocieron en vida.

Bolívar 1799 - España
Óleo sobre tela

Bolívar 1810
Grafito sobre cartulina

Bolívar 1814
Óleo sobre tela

Bolívar 1819
Pastel sobre cartulina

Bolívar 1822
Pastel sobre cartulina

Bolívar 1825
Pastel sobre cartulina

Bolívar 1826
Óleo sobre tela

Bolívar 1828
Óleo sobre tela

Bolívar 1830
Óleo sobre tela

Muchas de estas obras forman parte de la exposición Original y Copias

Retratos Históricos

Francisco Maduro así como nos ha recreado con obras pictóricas de nuestro Libertador entre otros, igualmente lo ha hecho con muchos de los próceres de nuestra independencia, ha representado a nuestros héroes, plenos de sobriedad y mostrando en sus rostros la templanza, el carácter y la personalidad. Serie que ha llamado “Retratos Históricos” la cual pueden disfrutar algunas muestras a continuación.

Santiago Mariño
Óleo sobre tela

José Antonio Anzoategui
Óleo sobre tela

Francisco de Miranda 
Óleo sobre tela

Regresos

En esta exposición Francisco Maduro presenta personajes comunes en actitudes cotidianas, con un tamaño algo exagerado en lo que corresponde a la proporción de las manos y los pies, esta intencionalidad se procuro para hacer mas expresivas las imágenes incluso en ocasiones relacionar las manos con el gesto del rostro.

Las obras fueron trabajadas en tonos sepia para dar un sentido mas cálido a la muestra, con la idea de expresar la intención humana y una mezcla de sentimientos.

Bárbaro
Cretas sobre tela

Pilón
Cretas sobre cartulina

Diego Rivera
Cretas sobre cartulina

Torno
Cretas sobre cartulina

“Esta muestra pretende expresar, con una visión sencilla, los sentimientos hacia personajes que por anónimos hoy cobran importancia”

La Memoria en el rostro

En esta muestra el autor intenta demostrar la relación que existe entre la actitud, el lenguaje corporal y el gesto en los rostros con el titulo o razón de la obra, era como si se quisiera adivinar la personalidad y hasta el oficio de cada personaje solo por su mirada, la expresión o la figura dibujada. Podemos con ver las obras e imaginarnos qué tipo de personas tendríamos ante nosotros.

Se trabajó en sepia y colores al pastel, para algunos esa muestra está dentro de una tendencia hacia el realismo mágico que no es sino la cotidianidad latinoamericana.

Mujeres con Niños
Pastel sobre cartulina

Viajeras
Pastel sobre cartulina

Secreto
Pastel sobre cartulina

Mujeres

Tal como refiere Francisco Maduro, alejándome del trazo emotivo, para acercarme a una forma más elaborada de dibujo con las posibilidades del grafito y la gracia de la línea en el cuerpo de la mujer, sus expresiones, sus posturas conjuntamente con una serie de desnudos dentro de espacios cerrados pero con ventanas que hablan de la comunicación y el contraste entre la posición de la mujer como ser humano ante la seducción y presiones de un mundo afuera cambiante y fuera de su entorno.

Francisco Maduro logra a través del lápiz una muestra donde con el dominio del dibujo, la fuerza y el volumen se puede apreciar un excelente tratamiento de la figura humana.

Crisálida
Grafito sobre cartulina

La puerta
Grafito sobre cartulina

Las dos puertas
Grafito sobre cartulina

Francis y la música barroca
Grafito sobre cartulina

Mujer
Grafito sobre cartulina

Obras mas recientes

En algunas obras recientes, como artista plástico y sin abandonar el trabajo académico, Francisco Maduro, se acerca al surrealismo donde con mayor libertad crea algunos trabajos de su fantasía, entre ellos el muro que guarda los bocetos de Arturo Michelena, las canciones para sordomudos, los mosaicos de rostros y musas, además de personajes sarcásticos que juegan al póker junto a pareja de reyes antagónicos.

Estas piezas en su mayoría dibujos, parecieran llevarlo hacia un camino de la simbología de las imágenes como expresión de sus propios sentimientos y manera de percibir la vida, avanzando en la búsqueda de otros caminos que lo ayuden a definir de manera mas personal su propia obra.

Canción para las manos
Pastel sobre cartulina

Póker
Grafito sobre cartulina

Surreales de frente y de perfil
Grafito sobre cartulina

Musa
Grafito sobre cartulina

La pared de Arturo
Pastel y lápiz sobre cartulina

Retrato de espalda
Oleo sobre tela

Si deseas apreciar mas de sus obras te invitamos a revisar nuestras biografías, muchas de ellas están ilustradas por Francisco Maduro y cada semana agregamos nuevas ilustraciones.

ROBERTO MATTA

Pintor chileno. Nació en Santiago el 11 de noviembre de 1911 y murió en Tarquinia, Italia en el año 2002. La obra de este connotado artista se extiende desde los años treinta hasta hoy. Fue partícipe y renovador del surrealismo y personaje decisivo en el grupo de artistas del expresionismo abstracto de los años 40.

Más Información Museo Nacional de Bellas Artes

En los inicios de su labor artística, sus obras reflejaron sus preocupaciones metafísicas, la importancia de las creaciones religiosas. Dibujos figurativos que con el tiempo fueron evolucionando hacia una abstracción, con referencia de artistas de la época como Dalí y Picasso y la influencia de El Greco. Elementos como el humor, el erotismo, la reflexión, el pensamiento estuvieron presentes en estos inicios. Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas Más importantes del Movimiento Surrealista. Trayectoria La obra de este connotado artista se extiende desde los años treinta hasta hoy. Fue partícipe y renovador del surrealismo y personaje decisivo en el grupo de artistas del expresionismo abstracto de los años 40. En los inicios de su labor artística, sus obras reflejaron sus preocupaciones metafísicas, la importancia de las creaciones religiosas. Dibujos figurativos que con el tiempo fueron evolucionando hacia una abstracción, con referencia de artistas de la época como Dalí y Picasso y la influencia de El Greco. Elementos como el humor, el erotismo, la reflexión, el pensamiento estuvieron presentes en estos inicios. Comienza a inquietarlo la idea del espacio que tendrá un papel protagónico en todo el desarrollo de la obra del artista. Este, entendido, no como recinto de la materialidad, sino como él mismo lo dice, un espacio de la especie, idea metafísica del espacio. Posteriormente, desarrolló una etapa ligada al surrealismo, tendencia de la que participó y cuyas influencias se dejaron ver en obras posteriores. Entre 1942 y 1944 aparecieron los primeros personajes en las obras de Matta, lo que acerca su pintura al humanismo, buscó una representación del hombre que expresara su esencia contradictoria. Apareció la angustia, el dolor, la soledad y la incomunicación como temas recurrentes y la infinitud del espacio se transformó en la soledad del hombre, situación que quedó expresada en varios de sus cuadros, un hombre perdido en el espacio eterno, con múltiples posibilidades y direcciones, sin que ninguna sea una verdadera salida. De su estadía en Italia, alejado del grupo de artistas norteamericanos, surgieron una serie de cuadros, intentos de representación de un espacio multidimensional (Abrir el cubo y encontrar la vida). Fue un intento por representar la idea del espacio total, del espacio tal como se muestra en la vida. Esta representación multidimensional está figurada en la obra del artista por medio de la abertura del cubo que muestra de una sola vez sus seis caras. En esta etapa de Matta en Italia, su trabajo intentó ser una denuncia de los poderes maquinales que esclavizan al ser humano en la sociedad moderna. Hubo una notable influencia del arte primitivo, especialmente de Africa y Oceanía. En esa época la crítica política influye en el contenido de su obra, la revolución cubana, como factor social, sin dejar de lado su preocupación por el hombre y la sociedad que lo rodea. Durante los años sesenta reapareció la Figuración de sus primeras obras, pero la expresión dramática se transformó en una glorificación a la vida y a sus transformaciones. En la siguiente década, sus pinturas, de grandes dimensiones, abandonan paulatinamente la temática política, para dar paso nuevamente a los temas metafísicos y a un cauce profundo. Durante los ochenta se generaron dos líneas de trabajo, una cercana a la representación realista que recrearon la mitología mediterránea, con escenas de la vida de los dioses o imágenes de personajes inventados; y una segunda línea con una tendencia Más abstracta, en la que alcanzó sus Más altos niveles de expresividad metafísica. El trabajo artístico de Matta ha sido extensamente estudiado y analizado en un intento de acercamiento y comprensión del universo que su obra alcanza. En este sentido, han sido varios los calificativos que se han propuesto para caracterizar su pintura, aludiendo a la abstracción, a la espacialidad, a la relatividad, a la transparencia, al movimiento y energía constante y sin fin, a la poesía, a la reflexión, al pensamiento, etc. Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas Más importantes del Movimiento Surrealista. Sus obras permanecen en importantes colecciones privadas como la del artista Andy Warhol y en diferentes museos e instituciones del mundo: sede de la UNESCO en París; Escuela de Bellas Artes de Cuba; Colección Art Investors de Ginebra, Suiza; Galerie Beaubourg de París, entre otros. AdeMás, su trayectoria artística ha sido reconocida en todo el mundo, realizándose importantes homenajes en su nombre: en 1967 fue lanzado en Cuba un sello que reproduce su obra "Sembrador de incendios" de la serie Salón de Mayo de París; en 1970 el Museo Nacional de Bellas Artes creó una sala de exposiciones con el nombre del artista; en 1991 Francia lanzó una serie artística en la cual se reprodujo la obra "O tableau noir"; en 1993 la Casa de Moneda de Chile lanzó una serie conmemorativa al Festival Mundial de Teatro de las Naciones que reproducía la obra "El teatro: espejo de la vida y de nosotros mismos" Matta ha realizado ilustraciones de varios libros y escrito valiosas publicaciones, como "L’Espace de l’Espèce" y "Cosa è la cosa mentale", donde plantea los rasgos esenciales de su concepción estética en 1965 y un homenaje póstumo a Breton "L’Illumination", publicado en La Nouvelle Revue Francaise, en París en 1967. También ejecutó algunos murales como el titulado "Las dudas de tres mundos" para la sede de la UNESCO en París; el mural "Vivir enfrentando las flechas" para la Universidad Técnica del Estado, en Santiago, que fue concluido en 1971; el mural "Primer gol del pueblo chileno" en la Municipalidad de La Granja el mismo año y mural para la Exposición Universal de Sevilla en 1992. Importantes personajes de la vida artística y cultural han escrito sobre Matta y su obra, entre ellos destaca Marcel Duchamp quien escribió el texto "Matta peintre", publicado en 1950; Breton que escribe una reflexión, "Il y a trois ans", a partir de la primera muestra individual de Matta en la Galería René Drouin en 1947; Michel Tapié publicó el texto "The Space of Matta" en la Revista Paris Post, entre otros. Se destaca también las donaciones que ha hecho el artista al pueblo chileno en 1972 de sus obras "Hagámonos la guerrilla interior para parir el hombre nuevo" y "Ojo con los desarrolladores"; colaboró también con la formación del Museo de Arte del Hombre Latinoafricano, con la donación de una serie de esculturas africanas; donó al Programa Ambiental de las Naciones Unidas con sede en Nairobi, el proyecto de la energía solar. Algunos premios y distinciones que el artista ha recibido a lo largo de su destacada trayectoria son: Premio Pittsburg International, Estados Unidos en 1952; Premio Mazotto por la obra "La Question Djamila" en 1962; Medalla de Oro de las Bellas Artes Españolas, condecoración que le entregó el rey Juan Carlos de España en un acto celebrado en el Museo del Prado, Madrid en 1985; Premio Nacional de Arte, Mención Pintura, Santiago, Chile en 1990; Premio Príncipe de Asturias, Sevilla, España en 1992; Premio Herbert Boeckl, Salzburgo, Austria en 1992; Premium Imperiale de Pintura, Asociación de Arte de Japón en 1995; Premio Gabriela Mistral, Orden al Mérito Cultural y Docente del Estado de Chile en 1997; Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Montecarlo, Principado de Mónaco en 1997; Nombramiento como Vocal del Patronato del Instituto Cervantes, España en 1998.

PATRICK FISHER: NATURALEZA EN CADA RASGUEO

- Préstame un plumón y decoro tu guitarra. 

- ¿Con un plumón?

- Sí, naturaleza en madera. 

- Un garabato, seguro.

-No, es una pieza artística; la unión entre la música y el dibujo, si rasgas una cuerda se mueven las plantas y revolotean los insectos, lo mejor: es indeleble. 

- Cuéntame una historia. 

- Mira tu guitarra y toca una canción; observa cómo el cuerpo del instrumento adopta las formas del entorno. Si rasgas las seis cuerdas el viento te puede despeinar. Préstame el rotulador negro. Yo dibujo pero tú tocas.

El estadounidense Patrick Fisher es un artista del plumón. Adopta como lienzo los cuerpos de las guitarras acústicas sobre los que dibuja impresionantes escenarios naturales que van desde elaborados paisajes; hasta árboles, insectos, hojas y aparente madera.

Para realizar sus minuciosos dibujos, Fisher sólo utiliza un plumón de tinta indeleble. El color es importante, el negro se convierte en su cómplice a la hora de empuñar el “pincel”, pues los trazos oscuros contrastan con el color natural de la madera en la guitarra, logrando con esto, dibujos texturizados que juegan con nuestra percepción visual y nos revela líneas finas o gruesas dotando de profundidad a la imagen. Los dibujos de Fisher demuestran que el arte se siente pero también: se toca.