EL POSTIMPRESIONISMO

El impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.





Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa:
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).
- Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).
- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin). 

INFLUENCIAS- De los impresionistas, el gusto por los contrastes de colores en Cézanne.- De Rubens, de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico cromatismo, los colores puros y la cursividad fluyente de las formas en V. Gogh- De las culturas exóticas de Oceanía, el primitivismo en Gauguin. 



Los pintores postimpresionistas
Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.
Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria..
Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,...
Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.

ARTE BIZANTINO

ARTE BIZANTINO
Síntesis Histórica
• El nombre proviene de Bizancio, pequeña ciudad a orillas del Bósforo (estrecho que une a los mares de Mármara y Negro) donde el emperador Constantino fundó la “Nueva Roma” posteriormente llevaría su nombre: CONSTANTINOPLA.
• Constantino muda a Bizancio la capital del imperio romano.
• Fundada en el 330 d.C. aprox. El imperio estuvo dividido entre Roma y Constantinopla un poco más de medio siglo.
• El imperio Bizantino Tuvo una duración de 11 siglos.
• Teodosio, el Grande decidió separar el mundo romano en dos imperios y lo dividió entre sus dos hijos.
• Arcadio es el primer Emperador del Imperio Bizantino o de Oriente.
• El emperador Justiniano (527 d.C.) reconquistó las antiguas posesiones de los romanos y se produce la expulsión de los bárbaros.
• La primera edad de oro abarca los siglos VI y VII
• Desde la muerte de Justiniano hay un proceso de decadencia hasta la llegada de BasilioII que se produce la segunda edad de oro
• La segunda edad de oro abarca los siglos IX al XII
• Muerte de Basilio II (1025 d.C.)
ARQUITECTURA BIZANTINA
• Cambio de cruz latina por la de cruz griega.
• Juego de cúpulas y semicúpulas
• Tres ábsides en la cabecera
• Decoración interior con mosaicos e íconos
• Sistema constructivo basado en el equilibrio de fuerzas descendientes ejercidas entre las diferentes partes de la cubierta desde la cúpula central a las semicúpulas y de éstas a los contrafuertes.
• La cúpulas descansa sobre pechinas (triángulos curvilíneos que equilibran el peso entre la cúpula y las partes inferiores del edificio.
• Uso de columnas de apoyo
• Bóvedas de cañón o aristas
• Cúpulas sobre pechinas.
• Uso del contrafuerte
Principales Iglesias bizantinas
• Santa Sofía de Constantinopla
Mayor monumento del arte bizantino y el primero en su género.
Destruida por incendios y reedificada varias veces.
Justiniano la reconstruyó en el nuevo estilo.
La cúpula mide 31m de diámetro.
40 ventanas la iluminan
Los arquitectos fueron Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto.
• La Basílica de San Marcos de Venecia
Comenzó a edificarse a finales del período bizantino
Es un conjunto de varios estilos.
Posee planta de cruz griega
Elementos constructivos netamente bizantinos
Posee 5 cúpulas
Recursos de perspectiva la hacen aparecer mayor de lo que es

ESCULTURA BIZANTINA
• Predominio del bajo relieve.
• Las figuras presentan cierta rigidez y un abandono del desnudo.
• Los temas son religiosos y simbólicos.
• Los emperadores iconoclastas destruyeron las imágenes de las iglesias, los mosaicos y pinturas.
• Las luchas iconoclastas impidieron el normal desarrollo de la escultura (monumentales y de bulto).
• Uso de marfil para los relieves dípticos y trípticos.
PINTURA MURAL BIZANTINA
• Carácter decorativo.
• Presencia de temas religiosos con carácter simbólico.
• Estilización de la figura
• Carencia de movimiento en la las figuras.
• Gran colorido y sin degradaciones (Colores planos),
• Uso del dorado
• Composición simétrica en torno a una figura central
• Ausencia de perspectiva
MOSAICO BIZANTINO
• Realizado con pequeñas piezas de cerámica llamadas teselas.
• Presencia de temas religiosos y alegóricos
• Estilización de las figuras con una gran rigidez
• Variedad cromática de teselas (gran colorido)
• Uso frecuente del dorado
• Composición simétrica
• Carencia de perspectiva.
Pintura sobre tabla arte bizantino
• Representación de figuras de medio cuerpo
• Fondos dorados o plateados (algunas veces de metal)
• Estilización de la figura (especialmente rostros y manos)
• Rigidez de las figuras
• Uso de colores vistosos
• Tema religioso: Cristo, la Virgen o Santos

VENEZUELA

Arte colonial venezolano

Juan Pedro López

El arte colonial en Venezuela abarca más o menos tres siglos. Se entiende por arte colonial el que se desarrolló durante el poderío español. En ese entonces, Venezuela era una Capitanía General lo que va a caracterizar una arquitectura de gran moderación y sencillez y un esquema casi constante en sus provincias tales como : Caracas, Cumaná, Margarita, Trinidad y Barinas. A continuación se reproduce una guía de este período.

•Abarca 3 siglos: XVI - XVII y XVIII

•ARQUITECTURA

•Características generales:

•Templos de gran sencillez y austeridad

•Plantas de 3 naves, separadas por columnas cilíndricas o soportes de sección cuadrada, unidas por arcadas de medio punto.

•Techumbre de doble vertiente, está formada por una armadura de pares nudillos y tirantes dobles.

•En el presbiterio , el techo es de armadura en forma de pabellón con artesonado.

•Las torres de uno o dos cuerpos rematan en cúpulas de media naranja , sin tambor, o en capitel piramidal

•Las fachadas con sus portales, es donde se aprecian las características de los estilos, los elementos decorativos y originalidad de cada templo.

•En el interior se encuentran los retablos y altares barrocos de estilo churrigueresco o rococó.

TEMPLOS

•En Venezuela se conservan 160 templos del período colonial.

•Los más antiguos (XVI) son: Iglesia de la Asunción, en Margarita y la Catedral de Coro.

•Catedral de Caracas

•Iglesia de San Francisco de Yare.

•Catedral de Calabozo

•Iglesia de Santa Ana y la de Moruy en Paraguaná, Edo. Falcón

•Iglesia de la Concepción en el Tocuyo (reconstruida

•El templo de Ospino en Portuguesa

•La Catedral de Barinas

•Catedral de Barcelona y los templos de Píritu y Clarines Edo. Anzoátegui

ESCULTURA COLONIAL

•Pertenece al género religioso

•En el siglo XVI las imágenes de bulto fueron importadas de talleres españoles

•Pertenecientes a este siglo tenemos: 1 Cristo en la catedral de Maracaibo. 1 Niño Jesús en el Museo de arte Colonial de Caracas.

•EN el siglo XVIII se establecen artesanos (españoles y portugueses) junto con algunos Frailes inician la enseñanza local. De este siglo tenemos:

•La Inmaculada del templo de la Concepción del Tocuyo

•El famoso NAZARENO DE SAN PABLO en Caracas (obra del escultor FELIPE DE RIVAS)

•Nuestra Señora de la Soledad en la Iglesia de San Francisco de Caracas.

•

•En el siglo XVIII se le dio incremento a la imaginería, entre varios artistas tenemos:

•

•ENRIQUE ANTONIO HERNÁNDEZ PRIETO: (madera de Cedro tallado) SAN PEDRO APOSTOL de la Catedral de Caracas. (La tiara, La cruz Triple y las llaves son de plata. Obra del Orfebre Domingo Vicente Nuñez

•DOMINGO GUTIERREZ (Canario) . Introdujo el estilo Rococó en la ebanisteria venezolana

•La IMNACULADA CONCEPCIÓN es obra DOMINGO GUTIERREZ (Catedral de Caracas)

•RETABLOS: Armazon de madera detrás de los altares. En sentido vertical están formados por “calles”donde se disponen los elementos tallados y dorados: Columnitas, estípites (Con el fuste alargado hacia abajo) cornisas y frontones)

•Cornisas y frontones

•Se emarcan pinturas y esculturas exentas o de bulto.

•En los bordes se tallan: guirnaldas,frutos, querubines, flores volutas etc.

las imágenes de vestir: sólo tallan la cabeza, las manos y a veces los pies. El resto del cuerpo lo esbozaban o formaban un maniquí de varillas de madera. Luego se visten con lujosas telas intercambiables. Los ojos son de vidrio pintado y la cabellera de pelo natural

PINTURA COLONIAL

•En el siglo XVI no se contaba con ningún artista.Las pinturas eran importadas.

•En el siglo XVII se fueron formando en Caracas, Mérida, Guanare y el Tocuyo grupos artesanales o talles con obras anónimas.

•Se destaca el “ Pintor del Tocuyo” : LA VIRGEN DEL ROSARIO, UNA INMACULADA CONCEPCIÓN, UN CUADRO DE ÁNIMAS donde aparece por primera vez representados figuras mestizas.

•SIGLO XVIII La pintura Colonial llega a su apogeo.

–FRANCISCO JOSÉ DE LERMA Y VILLEGAS (primer pintor de obra firmada) (pardo libre). Obras: La sagrada Familia, San Miguel Arcángel y la Virgen de la Mercé.

–El pintor más importante del siglo fue JUAN PEDRO LÓPEZ. Obras: La Virgen del Rosario, y la Virgen de la Luz.. Modelo en barro la ESTATUA DE LA FE , que corona la torre de la catedral de Caracas.

–Los pintores de la familia LANDAETA (Músicos, escultores,, pintores, doradores) Sólo se conocen 4 obras firmadas por integrantes de esta familia. Algunas pinturas de la escuela de los Landaeta son: La INMACULADA CONCEPCIÓN, LA VIRGEN DE CARACAS y dos de la CORONACIÓN DE LA VIRGEN

ARTE COLONIAL VENEZOLANO

El Arte Colon El Arte Colonial Venezolano, estuvo determinado en sus inicios, por la influencia europea. Durante este período nuestra sociedad trato de adoptar las características y formas propias del Barroco (traído de España).

Nuestros artistas hicieron grandes esfuerzos por presentar obras bajo este estilo, pero no tuvo mayor éxito y empezaron a eliminar detalles para adaptarlos a nuestra realidad, dando origen así al “Arte Colonial Venezolano”.

"Armando Reverón (1889-1954)"

Victoriano de los Ríos
Sin Título (Reverón con levita y pumpá)-secuencia-, hacia 1954
CINAP

por María Luisa Ochoa

La muestra "Armando Reverón (1889-1954)" sostenida desde Abril de 2007 en las salas 1 y 2 de la Galería de Arte Nacional ofrece un acercamiento al repertorio plástico del artista venezolano Armando Reverón.

Se trata de una exposición que agrupa los diversos medios expresivos utilizados por el artista, como la pintura y los objetos así como una interesante presentación sobre la estructura del Castillete –residencia del artista, construida por él mismo- acompañados de fotos tomadas por Victoriano de los Ríos, Graciano Gasparini, Ricardo Razetti y Alfredo Boulton.

Dentro de las obras exhibidas podremos ver las muñecas, objetos, diversos autorretratos, paisajes de macuto y retratos. La mayor parte de las obras exhibidas pertenecen a la última década de vida del artista.

La exposición ha sido basada en la muestra llevada a cabo a principios de 2007 en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York –uno de los más prestigiosos del mundo-. Con ello la obra de Reverón quedó justamente reconocida como lo que es: una interesante y vanguardista visión sobre la expresión plástica.

Armando Reverón
Uveros, 1942
Óleo sobre tela
53 x 64 cm
Colección Fundación Museos Nacionales

Uno de los aspectos subrayados por la curaduría es la obsesión de Reverón con la luz. Esa luz de las costas venezolanas, de los mediodías que encandilan todo haciéndolo desaparecer. Esa luz también que es simple –que no sencillo- artilugio de la plástica y que como una lucha de la visión con la razón, va construyendo los objetos en un presente que los deshace de apariencia, que los depura revelándolos en luz. Este aspecto es quizá el guiño de ojo que el artista nos hace: el ejercicio de la pintura revela y esa revelación es también producto de una lucha entre lo que vemos de la imagen y lo que sabemos de ella.

Con esa visión curatorial la exposición ha dado un trato justo a la estética de Reverón pues es precisamente a través del oficio de pintar “lo que no se ve” que comienza ese viaje que hacemos al acercarnos a sus muñecas, sus objetos y sus pinturas.

Otro aspecto interesante, aunque no inédito en exposiciones anteriores sobre Reverón, es el de haber reunido algunos de los autorretratos. Se trata de una serie de pinturas y dibujos realizados por el artista entre 1948 y 1949 en los que Reverón se pinta a sí mismo con un “sombrero de copa” –llamado en la Caracas de antaño “pumpá”- en diversas poses y utilizando un repertorio expresivo bastante interesante pues parece explorar la pintura desde el dibujo, un poco quizá a la manera impresionista.

Armando Reverón
Muñeca, hacia 1940
Tela, pintura, fibras vegetales (pabilo y algodón), alambre, semillas y papel
161 x 72 x 24,5 cm
Colección Fundación Museos Nacionales

Una última mirada permite al espectador recorrer la obra reveroniana a través de sus objetos. Fabricados con los más variopintos materiales –madera, cabuyas, taparas, papel periódico, tinturas y fibras naturales, ramas, algodón, etc.- los objetos aparecen como esperpentos en los que poco a poco va surgiendo vida. Y no exageramos. Los ojos maltrechos de alguna muñeca comienzan a mirarnos, juzgonamente, mientras vemos sus rasgaduras. Un esqueleto ínfimo se hace escultura mientras un teléfono de cartón y otras fantasías van teniendo sentido sin que nadie lo ponga en duda.

Durante los últimos años la obra del artista ha sido revisitada por curadores, historiadores y público en aras del particular modo de plantear el mundo objetual como hecho plástico, elemento presente en la producción reveroniana. Ese mundo objetual aparece, sí, como tramoya y escenografía, pero también como documento vivo de la pintura como fin último de una construcción pragmática y oficiosa. Este carácter atribuible no solo a la pintura sino, quizás mucho más a los objetos, inserta a la obra de Reverón en un particular puesto en la vanguardia latinoamericana. Aún tratándose de una obra cuyas influencias en sus contemporáneos y en quienes lo siguieron en nuestra historia plástica son pocas, en el sentido de que no se creó una tendencia a partir de sus planteamientos, el legado del artista sigue manteniéndose como uno de los más preciados en nuestro país.

La plástica reveroniana derrama una insistencia en la expresión a tal punto que los límites de la abstracción informal, la figuración y el impresionismo son recorridos finamente como si su aparición fuera más cosa de formas que de historia. Esta fineza hace, entre muchas otras cosas, que las obras de Reverón adquieran ese sentido de recuerdo por construirse y de construcción hecha instante presente.

Juvenal Ravelo

"Módulo Cromático", de Juvenal Ravelo, durante su confección.
Avenida Libertador, Caracas.
Fuente: www.pinturasflamuko.com

El destacado artista plástico venezolano Juvenal Ravelo se ha hecho acreedor del PREMIO NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS 2008, otorgado por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura el pasado mes de Agosto. La Casa del Ãrte en Venezuela desea hacer un merecido reconocimiento a tan importante figura del quehacer artístico venezolano.

Juvenal Ravelo pertenece a la corriente del arte cinético. Nació en Caripito, estado Monagas, el 23 de enero de 1934. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas y en la Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar de Barquisimeto, estado Lara. Ingresó a la docencia como profesor de la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas y en 1964 se traslada a París para sumarse al movimiento de arte abstracto - constructivo y cinético. Ya en Francia asiste entre 1964 y 1968 a los cursos sobre sociología del arte dictados por los afamados críticos e historiadores Pierre Francastel y Jean Cassou en La Sorbona.

Luego de un largo y exitoso período en Europa regresa a Venezuela para desarrollar una propuesta de integración de la comunidad a la actividad artística urbana. En el Arte de participación en la calle el artista motiva un cambio en el ser humano a través de la cooperación colectiva en la construcción de los murales cinéticos en las fachadas de las casas de poblaciones rurales en el interior del país.

Es notable el modo en que las reflexiones estéticas de un artista como Juvenal Ravelo buscan caminos de cristalización en la praxis diaria mediante una propuesta tan ambiciosa como la de "Arte de Participación en la Calle", tal como la denomina el propio artista. Ravelo abandona su taller de la Rue Dauphine (París) y se dispone a abordar esta experiencia creativa concebida para espacios públicos, precisamente en el barrio Los Cerritos de Caripito, su pueblo natal. Así nacen los "Módulos Cromáticos", ensamblándose en una suerte de "museo al aire libre". La participación directa de la gente en el proceso creativo, acompañada de sus vivencias del día a día, cargada de su entorno, de su hogar, de lo que son profundamente: vaya si ésta es una idea valiosa. El arte plástico sale de sus recintos habituales y se emplea como herramienta destinada a generar cambios tangibles en el entorno social que lo consume y disfruta. El desarrollo de la sensibilidad estética en el individuo es clave en esta idea. Es la manera de obtener elementos inmanentes al sujeto que son indispensables para una calidad de vida óptima: no se puede ver la luz con ojos preñados de sombras. Es así como el arte se embarca en asuntos realmente importantes, divorciado de pretensiones pomposas y sin abandonar la máxima calidad en el ámbito estrictamente artístico.

Para cerrar este comentario en torno a Juvenal Ravelo, hemos elegido algunas opiniones emitidas por notables de las artes. Estamos seguros que son bastante claras y ajustadas al valor de este creador venezolano:

“El mural de Ravelo en la Avenida Libertador de Caracas, es una de las obras extraordinarias del arte cinético actual. Es la propuesta estética de una simetría cromática resuelta en grandes espacios y la puesta en evidencia de las vibraciones ópticas creadas con ingenio y sabiduría, por uno de los artistas importantes del arte universal”. Jesús Soto. Artista Cinético. Caracas, 2003

“Juvenal Ravelo, excelente artista de la abstracción, viene de un barrio marginal de un apartado pueblo del oriente de Venezuela. Un día dejó su taller de París para ir a ver a sus viejos vecinos del barrio y los invitó a la más inesperada y extraordinaria fiesta. Llegó cargado de latas de pintura y los convidó a pintar, entre todos, por un patrón diseñado por él, las fachadas de las modestas viviendas. Fue una fiesta incomparable y un descubrimiento. En un día de inusitado hallazgo cambiaron el pueblo y el marco de sus vidas. La vieja calle se convirtió en un arlequín de alegría. Y cuando Ravelo se marchó se dieron cuenta de que les había regalado una fiesta sin término, un pueblo nuevo y acaso una nueva vida”. Arturo Uslar Pietri. Escritor. Del Libro “Fachas, Fechas y Fichas” Caracas, 1980

“Juvenal Ravelo pertenece a una generación de artistas venezolanos que piensan en la investigación como fuente revolucionaria del arte. Solo el análisis profundo de la significación de esta vital actividad del hombre, puede abrir caminos en el arte moderno y Juvenal Ravelo está consciente de ello. Desde hace algunos años, sus investigaciones cinéticas parten de la idea de la fragmentación de la luz como fenómeno de visualización, que puede revelar en el espectador otras posibilidades de percepción. Sobre una estructura programada, destellos luminosos crean una situación cromática que continuamente se escapa. Una especie de “flash” de color efímero. Un reflejo fragmentado del medio ambiente. Por el desarrollo de su obra, pausado y de clara disciplina, Ravelo es un valor y punto de referencia en la plástica venezolana contemporánea”. Carlos Cruz - Diez. Artista Cinético. París 1974

“Querido Juvenal: Después de ver el cortometraje realizado por Luís Altamirano “Ravelo y el arte de participación en la calle”, siento que esta vez el arte me ha tocado profundamente y hoy estoy viendo un enfoque distinto, un arte que reivindica a los vecinos olvidados en los rincones alejados de los grandes centros de cultura del mundo. Les devuelve la felicidad, es otro arte”. Julio Cortázar. Escritor. París, 1979

Francis Reyes

Oui, mais...
Acrílico sobre tela, collage, técnica mixta

La artista plástico Francis Reyes nace en Caracas (Venezuela) en el año 1980. Desde los primeros años de su infancia se muestra interesada por la pintura y la literatura, y es cuando comienza sus primeros acercamientos a dichas manifestaciones artísticas en el taller de arte del Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber.

Posteriormente, realiza sus estudios de Historia del Arte en la Universidad Central de Venezuela y, simultáneamente participa en numerosas exposiciones colectivas en su país natal.

En el año 2006, realiza su primera exposición individual en la Galería Oscar Ascanio (Caracas-Venezuela) titulada: “Lady Aphrodite”, en la cual la artista imagina sus historias-collage centradas en el tema de Aphrodite. Sus obras expresan desde el punto de vista femenino el tema amoroso y sus variables, el erotismo y la pasión en diversas maneras plástico – formales, valiéndose de objetos y situaciones cotidianas para recrear su realidad pictórica.

Este será el tema central en la obra de Francis Reyes: la feminidad y sus diferentes manifestaciones, la mujer como centro de reflexión afectiva, el universo de lo femenino en contraposición a lo masculino.

Gamel_otro
Acrílico sobre tela, collage, técnica mixta

Souvenir Bleu
Acrílico sobre tela, collage, técnica mixta

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Acrílico sobre tela, collage, técnica mixta

Entre sus exposiciones destacan: “Aphrodite made moi seule” (2007) y “Aphrodite-moi” (2008); éstas últimas realizadas en París donde vive y trabaja actualmente.

Esso Álvarez

Álvarez: diversidad de medios de expresión

Esso Álvarez nació en Maracaibo, estado Zulia, en 1960. Talentoso y reconocido, este artista plástico experimenta en el campo de las artes visuales con diversos medios de expresión visual, toma parte en el área gráfica del periodismo y se desempeña como pedagogo, todo ello con los mismos niveles de calidad. A pesar de ser identificado principalmente como fotógrafo, Álvarez ha ofrecido propuestas diversas a lo largo de su carrera, concebidas a partir de diversos elementos, medios y herramientas plásticas para expresarse con libertad fuera de la llamada fotografía documental directa.

Collages sugerentes de Esso Álvarez

Salirse de las clasificaciones no es fácil, pero Álvarez lo ha asumido. Dan fe de lo anterior las obras presentadas en diversas confrontaciones artísticas: con Des-foco, 21 fotocopias de imágenes periodísticas adheridas a tela, presentada en el Salón Pirelli (1995), obtuvo el segundo premio; como invitado a la VI Bienal de La Habana exhibió quince inyecciones de tinta sobre tela de 96 x 240 centímetros cada una, donde sintetizaba su exploración urbana de las plantas, los monumentos y los animales, denominada Mímesis y exhibida individualmente en la Galería Euroamericana (1997); en el 2002 realizó la obra apócrifa Mis postales como ánimas solas, expuestas en el Museo de Bellas Artes de Caracas; y obtuvo el Premio de la Universidad de Carabobo en el XXX Salón Aragua (2006) con la serie Cárcel de Abu Ghraib, con nueve imágenes apropiadas de Internet del maltrato dado a los iraquíes presos por los soldados estadounidenses.

Fuera de la llamada "fotografía documental directa"

En Abril-Mayo de 2008, el artista presentó la exposición denominada SENTI_MIENTO (sonidos visuales) constituida por catorce (14) imágenes de 55 x 75 centímetros, logradas por un desperfecto de la cámara digital en el año 2006, junto a un video que fue presentado durante la inauguración y en la clausura de la exhibición. Para Zacarías García, docente y artista plástico, el trabajo exhibido por Álvarez en dicha ocasión "trata de un registro del mundo en el que la tecnología en sus comportamientos más aleatorios nos ofrece visiones de la realidad como caprichos. Instantáneas accidentadas por la mediación del ruido, o más bien, del sonido sofisticado de las estrías electrónicas. Estas digitografías pueden ser el sueño cumplido de alguna vanguardia del siglo pasado".

Poster promocional de "Sentimiento (sonidos visuales)"

Álvarez trabaja y colabora desde 1983 en diversos medios impresos. Su obra ha sido expuesta y reconocida nacional e internacionalmente. Actualmente es docente invitado en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón.

Leonardo Del Moral

Armando Reverón

Leonardo del Moral es un artista plástico emergente nacido en Caracas, quien tiene en su haber una importante participación desde el 2004 en diversas exposiciones a nivel nacional. Su propuesta está conformada básicamente por figuras hechas con plastilina endurecida, pasta para modelar, alambres, madera y cartón. Las representaciones son de los más diversos personajes, incluyendo artífices plásticos renombrados como Armando Reverón, Carlos Cruz-Diez, Jesús Soto, Pablo Picasso, Fernando Botero y Joan Miró, entre otros.

Toda su obra contiene un matiz caricaturesco muy particular que del Moral imprime a sus personajes y es lo que distingue su trabajo desde los inicios en 1989. El trabajo se asemeja a una fotografía en la que cada detalle cuenta para formar parte de un todo y en la que cada figura trasciende, sobresaliendo por la creatividad y la estética.

Jesús Soto

La obra de Del Moral devela, como en una gran puesta en escena, la impresión de estar en medio de una gran conversación, un diálogo improvisado lleno de murmullos, inquietudes, silencios cómplices resultados del encuentro fortuito y en el que cada uno de los personajes, haciendo gala de sus particularidades, comparte sus propias experiencias. Esa interrelación dinamizadora entre todos, que remite a lo cotidiano, al compartir, mirar o decir, es una de las posibles formas de acercamiento a esta propuesta creativa.

Francisco Maduro Inciarte

Nació en Caracas en Marzo de 1947, desde niño se mostró interesado en papeles, colores y texturas. Su madre, tíos y abuelos practicaban de forma autodidacta varias formas artísticas, aprendiendo un poco de cada uno. Vivió muchas experiencias de aprendizaje, recibiendo la crítica más acertada, lo que lo hace hoy en día buscar constantemente la excelencia en sus trabajos.

Aunado a todo esa experiencia familiar, estudió artes gráficas en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas por algo más de dos años, aunque no pudo concluir los estudios, tomó cursos libres de pintura en la misma escuela, realizó el Taller de Dibujo Integral en el Instituto “Federico Brand” y el taller de técnicas aplicadas al dibujo en el Taller permanente A. Herrera Toro, entre otros.

Francisco Maduro se define como artista figurativo, académico con tendencias hacia el realismo mágico con alguna inclinación al hiperrealismo y en ocasiones dentro de algunas líneas expresionistas, sin embargo se considera más dibujante que pintor.

Luisa Cáceres
Óleo sobre tela

Exposiciones Individuales y Colectivas

Desde el año 1990 ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas.

Exposiciones Individuales

1993 - “Regresos” Complejo Cultural de Los Teques

1994 – “Mujeres” Galería de Bellas Artes, Caracas

1995 – “La Memoria en el Rostro” Galería Manuel Silvestre Pérez

1999 – “Original y Copias” Galería Leragl

2000 – “Rostros de la Historia” Ateneo de los Teques

2008 - Retratos Históricos, Metro de Caracas

Exposiciones Colectivas

1990 - Alcaldía de Caracas

1991 - Loros y Guacamayas Teatro de la Opera, Maracay

1992 - Dibujos Macsi – culminación de Taller

1992 - “Trazos” Taller permanente A. Herrera Toro

1993 - Galería Sólido

1993 - IV Salón municipio Los Salías

1993 - VIII Encuentro de Pintores Zuata, Estado Aragua

1993 - II Salón de Pintura “Cristóbal Rojas”, Estado Miranda

1993 - XVII Salón de Pintura Edelca, Caracas

1994 - Selección Artistas de Miranda, Ateneo de Los Teques

1994 - VII Bienal de Dibujo, Caracas

1995 - XV Salón de Pintura del Ateneo, Carúpano

1995 - II Muestra de la Parroquia del Norte

1995 - Evento “Viva Venezuela”, Hotel Eurobuilding

1995 - Transfiguraciones Visuales, Estado Carabobo

1996 - Homenaje a Arturo Michelena, Ateneo de los Teques

1996 - Salón Juan Lovera

1997 - XXIX Salón del Colegio de Ingenieros, Caracas

1998 - VIII Salón de Artes Plásticas Alejandro Otero

1999 - I Bienal “Día del Artista Plástico de los Altos Mirandinos”

1999 - Miranda en Dos Tiempos, Galería “Cemic”

2005 - La Mega

2007 - Miranda Hoy

2007 - Personajes y momentos Históricos

2007 - Los Rostros de la Historia, Ateneo de Los Teques

2008 - Salón del Rostro, Ateneo del Hatillo

Otras Actividades

Se ha dedicado a realizar labor docente, dictando talleres de dibujo en el Centro de Integración de Artes Visuales “Raúl de la Roche”, en la escuela de Artes Visuales “Manuel Silvestre Pérez”, talleres de dibujo y pintura en el Ateneo de los Teques. Realizó a su vez los murales “Letras y Tiempos” en la fachada del Liceo Andrés Bello, en la Av. México, Caracas y el mural “Raíces” en la Av. Los laureles – Plaza Tiuna, Caracas. Ilustró muchos libros. Es miembro fundador de la Asociación Civil “Arte Libre”.

Mural "Letras y Tiempos"
fachada del Liceo "Andrés Bello"

Mural "Letras y Tiempos"
fachada del Liceo "Andrés Bello"

Retratos de Bolívar

Una de las series más importantes de las obras realizadas por Francisco Maduro está en el recuento de retratos de la vida del Libertador desde adolescente hasta su muerte. Actividad que comenzó luego que una maestra amiga le pidió que realizara un retrato de Simón Bolívar, lo cual hizo gustosamente. A la semana se presentó en el taller de dibujo otra maestra con la intención de comprarle otro retrato del Libertador, pero con la condición de que no fuese igual al que recién había hecho, razón por la que se acercó a la biblioteca de la Sociedad Bolivariana y encontró un libro de Alfredo Boulton escrito entre los años cuarenta y cincuenta con un estudio interesantísimo, minucioso y analítico de toda la iconografía de Simón Bolívar, el cual según palabras de Maduro disfrutó y lo llevó a hacer esa secuencia de imágenes realizadas en diferentes técnicas y acompañadas de un trabajo investigativo bien documentado por historiadores, diplomáticos, escritores, compañeros de armas y personajes que lo conocieron en vida.

Bolívar 1799 - España
Óleo sobre tela

Bolívar 1810
Grafito sobre cartulina

Bolívar 1814
Óleo sobre tela

Bolívar 1819
Pastel sobre cartulina

Bolívar 1822
Pastel sobre cartulina

Bolívar 1825
Pastel sobre cartulina

Bolívar 1826
Óleo sobre tela

Bolívar 1828
Óleo sobre tela

Bolívar 1830
Óleo sobre tela

Muchas de estas obras forman parte de la exposición Original y Copias

Retratos Históricos

Francisco Maduro así como nos ha recreado con obras pictóricas de nuestro Libertador entre otros, igualmente lo ha hecho con muchos de los próceres de nuestra independencia, ha representado a nuestros héroes, plenos de sobriedad y mostrando en sus rostros la templanza, el carácter y la personalidad. Serie que ha llamado “Retratos Históricos” la cual pueden disfrutar algunas muestras a continuación.

Santiago Mariño
Óleo sobre tela

José Antonio Anzoategui
Óleo sobre tela

Francisco de Miranda 
Óleo sobre tela

Regresos

En esta exposición Francisco Maduro presenta personajes comunes en actitudes cotidianas, con un tamaño algo exagerado en lo que corresponde a la proporción de las manos y los pies, esta intencionalidad se procuro para hacer mas expresivas las imágenes incluso en ocasiones relacionar las manos con el gesto del rostro.

Las obras fueron trabajadas en tonos sepia para dar un sentido mas cálido a la muestra, con la idea de expresar la intención humana y una mezcla de sentimientos.

Bárbaro
Cretas sobre tela

Pilón
Cretas sobre cartulina

Diego Rivera
Cretas sobre cartulina

Torno
Cretas sobre cartulina

“Esta muestra pretende expresar, con una visión sencilla, los sentimientos hacia personajes que por anónimos hoy cobran importancia”

La Memoria en el rostro

En esta muestra el autor intenta demostrar la relación que existe entre la actitud, el lenguaje corporal y el gesto en los rostros con el titulo o razón de la obra, era como si se quisiera adivinar la personalidad y hasta el oficio de cada personaje solo por su mirada, la expresión o la figura dibujada. Podemos con ver las obras e imaginarnos qué tipo de personas tendríamos ante nosotros.

Se trabajó en sepia y colores al pastel, para algunos esa muestra está dentro de una tendencia hacia el realismo mágico que no es sino la cotidianidad latinoamericana.

Mujeres con Niños
Pastel sobre cartulina

Viajeras
Pastel sobre cartulina

Secreto
Pastel sobre cartulina

Mujeres

Tal como refiere Francisco Maduro, alejándome del trazo emotivo, para acercarme a una forma más elaborada de dibujo con las posibilidades del grafito y la gracia de la línea en el cuerpo de la mujer, sus expresiones, sus posturas conjuntamente con una serie de desnudos dentro de espacios cerrados pero con ventanas que hablan de la comunicación y el contraste entre la posición de la mujer como ser humano ante la seducción y presiones de un mundo afuera cambiante y fuera de su entorno.

Francisco Maduro logra a través del lápiz una muestra donde con el dominio del dibujo, la fuerza y el volumen se puede apreciar un excelente tratamiento de la figura humana.

Crisálida
Grafito sobre cartulina

La puerta
Grafito sobre cartulina

Las dos puertas
Grafito sobre cartulina

Francis y la música barroca
Grafito sobre cartulina

Mujer
Grafito sobre cartulina

Obras mas recientes

En algunas obras recientes, como artista plástico y sin abandonar el trabajo académico, Francisco Maduro, se acerca al surrealismo donde con mayor libertad crea algunos trabajos de su fantasía, entre ellos el muro que guarda los bocetos de Arturo Michelena, las canciones para sordomudos, los mosaicos de rostros y musas, además de personajes sarcásticos que juegan al póker junto a pareja de reyes antagónicos.

Estas piezas en su mayoría dibujos, parecieran llevarlo hacia un camino de la simbología de las imágenes como expresión de sus propios sentimientos y manera de percibir la vida, avanzando en la búsqueda de otros caminos que lo ayuden a definir de manera mas personal su propia obra.

Canción para las manos
Pastel sobre cartulina

Póker
Grafito sobre cartulina

Surreales de frente y de perfil
Grafito sobre cartulina

Musa
Grafito sobre cartulina

La pared de Arturo
Pastel y lápiz sobre cartulina

Retrato de espalda
Oleo sobre tela

Si deseas apreciar mas de sus obras te invitamos a revisar nuestras biografías, muchas de ellas están ilustradas por Francisco Maduro y cada semana agregamos nuevas ilustraciones.